Categoría: Museus

Siete por siete: Un nuevo Rembrandt y dos buenas exposiciones en Londres.

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Jan Six: un segundo Rembrandt en 5 meses.

Rembrandt (?), Dejar que los niños vengan a mí, durante su restauración, colección privada. Foto: Codart.

Jan Six, el marchante y experto en Rembrandt que en mayo presentó su descubrimiento de un nuevo Rembrandt – Retrato de un joven noble, óleo sobre tela, 101 x 74,3 cm (noticia aquí)-, ahora vuelve a la carga. Como informa Codart, Six ha identificado como obra del maestro holandés este óleo, con el tema evangélico Dejar que los niños vengan a mí. Lo cazó en Lempertz en 2014 (donde voló desde su estimación en 15.000 € hasta su precio final de 1,525 milions d’euros); la noticia la dió el periódico holandés De Volkskrant la setmana pasada y ahora el Museum De Lakenhal de Leiden acaba de anunciar que la va incluir en la exposición sobre Rembrandt joven que presentará del 3 de noviembre de 2019 al 9 de febrero de 2020.

Ribera més enllà del shock.

Jusepe de Ribera, Martirio de San Bartolomé, 1644, óleo sobre tela, 202 x 153 cm ©Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona, 2018. Foto: Calveras/Mérida/Sagristà.
Jusepe de Ribera,  El Tacto, 1632, óleo sobre tela, 125 x 98 cm.©Museo Nacional del Prado.

Miércoles 26 la Dulwich Picture Gallery de Londres inaugura Ribera: Art of Violence (hasta el 27 de enero de 2019). La exposición trata de un tema con riesgo: el uso del sufrimeinto humano como medio de expresión artística, religiosa y cultural por parte de Ribera (c. 1591-1652). Abre con el Martirio de San Bartolomé del MNAC y cierra con el espectacular Apolo y Marsias del Museo de Capodimonte e incluirá 6 grandes lienzos más y dibujos y grabados hasta 45 piezas, presentadas en cinco espacios temáticos: el martirio de los santos y la violencia de los mitos, la piel y los cinco sentidos, crimen y castigo y la figura masculina asida. El número relativamente limitado de obras no debe llevar a engaño respecto a la porfundidad y el rigor de la propuesta: Xavier Bray y Edward Payne como comisarios son garantía – un avance del nivel que proponen es la inclusión de El sentido del tacto del Prado y el paralelismo, creo que fascinante,  que posibilitará con la tela del MNAC, pintada doce años después. En efecto, me parece que la cabeza de Apolo romana que comparten, procedente de la colección Giustiniani de Roma y ahora en el British Musem (incorporada también en la exposición) es al mismo tiempo un punto de conexión y un punto de divergencia fundamental: mientras que la primera tela representa la aceptación plena, tan sensual como intelectual, del mundo clásico, en la segunta actúa como símbolo del rechazo decidido del paganismo que conduce al santo al suplicio violento.

Mantegna y Bellini.

Se puede aprovechar el viaje a Londres para visitar Mantegna and Bellini a la National Gallery (del 1 de ocutbre al 27 de enero), producida conjuntamente con los Staatliche Museen zu Berlin y comisiarada por Caroline Campbell. Su enfoque es más amable que la anterior, dado que examina la admiración y la influencia entre estas dos figuras centrales del primer Renacimiento que, por lo demás, eran cuñados: Giovanni Bellini (c. 1459–1516) y Andrea Mantegna (1430/1–1506). Con múltiples préstamos internacionales, se divide en seis salas: Beginnings, sobre los comencios en Venecia uno y en Padua el otro; Explorations, sobre los años de trabajo en paralelo en Venecia, con obras del mismo tema de cada uno de ellos; Pietà, sobre su papel en el nacimiento y desarrollo de este tema, entonces innovador; Landscape, sobre la aportación crucial de Bellini en este tema; Devotional Paintings and Portraits, centrada en el tema de la sacra conversazione y las posibilidades que las imágenes devocionales ofrecían para el retrato y, finalmente, Antiquity, dedicada al uso por Mantegna de los modelos clásicos – con un préstamos realmente espectular: tres de los Triumfos del César del palacio de de Hampton Court.

Siete por Siete: Kulturgutschutzgesetz; Oliba en Vic y micromecenazgo en el Prado.

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El camino del medio de los alemanes.

Según un artículo del The Art Newspaper, la entrada en vigor (en agosto de 2016) de la nueva ley federal alemana de protección del patrimonio histórico (Kulturgutschutzgesetz), con sus restricciones a las importaciones y la adopción del sistema de permiso de exportación, ha tenido efectos muy negativos. Justo antes de la entrada en vigor de la ley, explica, hubo importantes traslados de obras fuera de las fronteras; las casas de subastas más importantes del país han tenido que trasladar algunas de sus ventas al extranjero (Viena y Bruselas especialmente) y todo hace prever que Alemania no va ocupar nunca el lugar que le correspondería en el mercado de la arte en relación con el volumen de su economía. Sin embargo, personalmente pienso que se trata de una ley que vale la pena leerse con calma, porque se nota que parte del estudio de todos los modelos de protección vigentes en Europa (el link que aparece arriba conduce a una versión de la ley en inglés). Por ejemplo, en un punto crucial, los efectos de la denegación del permiso de exportación (art. 10, apartados 6 a 10), la norma alemana es un poco más abierta que la que tenemos aquí. Allí al menos se prevé y regula la posibilidad de que cualquier “institución dedicada a la conservación del patrimonio” (no necesariamente pública, por lo tanto) pueda optar a hacer una oferta para adquirir la obra con el permiso denegado, siempre que el propietario lo haya solicitado y previo informe de las administraciones competentes (estatales y federales) – si no se llega a ningún acuerdo, el propietario puede volver a solicitar el permiso de exportación tan sólo al cabo de 5 años desde la denegación.

Oliva en Vic, mil años después.

El Museo Episcopal de Vic es uno de los que repedidamente nos brinda buenas noticias. Ahora anuncia una nueva exposición que promete, centrada en la revisión de la figura del abad y obispo Oliba (971-1046): Oliba episcopus  (del 27 de octubre de 2018 al 10 de febrero de 2019), coincidiendo con el milenario  de su investidura como obispo de Osona. Incluirá préstamos internacionales, entre los que destacan  las dos grandes Biblias impulsadas por Oliba desde Ripoll: la llamada Biblia de Rodes (Bibliothèque Nationale de France) y la Biblia de Ripoll (Biblioteca Apostólica Vaticana). Igualmente, se ha programado un congreso internacional, los días 8, 9 y 10 de noviembre,  entre Barcelona y Vic, en el cual se explorarán diversos aspectos de la actividad de Oliba, con ponentes de universidades extranjeras y énfasis en la proyección de Oliba en el ámbito europeo.

Micromecenazgo en España: el siguiente capitulo?

Simon Vouet, Retrato de niña con paloma, 1620-22, óleo sobre lienzo, 66,5 x 49,5 cm. Foto: Museo del Prado.

La campaña de micromecenazgo Súmate al Prado, que el museo acaba de lanzar para adquirir el Retrato de niña con palomade Simon Vouet (proveniente de una colección privada) no es ni mucho menos la primera de una institución pública para una adquisición: en Catalunya, tuvimos en el año 2013 el caso del dibujo La oración de Marià Fortuny para el MNAC. Pero por la importancia de la institución y de la cantidad solicitada de 200.000 €, su coincidencia con la celebración del bicentenario del museo y el apoyo decidido de su dirección, intuyo que tiene suficiente potencial como para marcar un antes y un después en este tipo de campañas en España. Con todo, quedan cosas para pulir, por ejemplo, en el vídeo que el museo acaba de publicar en su canal de Yotube (por cierto, cada vez más interesante), los argumentos a favor de la campaña quedan muy bien resumidos, pero por otro lado se nota falta de información básica tal como la cantidad que se pretende conseguir o la vía específica para hacer la aportación. También se agradecería y sería muy útil una versión de la campaña en otros idiomas – inglés y, también gallego, vasco y catalán, ya que el museo se presenta como “de todos”. En todo caso, será interesante seguir la evolución: si tiene éxito, me parece que no será la última campaña de micromecenazgo.

 

Siete por Siete: lotería, Georgia y blockchain.

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Los franceses apuestan.

Mission Patrimonie, el rasca-rasca de las loterías francesas para financiar proyectos de restauración del patrimonio, se ha estrenado con éxito: desde su lanzamiento el pasado 3 de setiembre ya ha vendido 2,5 de los 12 millones de cartoncitos distribuidos. A 15 € cada uno suponen una recaudación de 35,5 M€, de los cuales un 10% se entrega a la recientemente creada Fondation du Patrimonie, para que ésta lo transfiera a los proyectos seleccionados (ya se han enviado los primeros cheques). Un tercio de los cartones tiene premios, de hasta 1,5M€ y el juego se mantendrá hasta agostar las existencias. Por otra parte, viernes 14 se lanzó Loto du Patrimonie, el segundo juego de la operación, una emisión especial de la lotería a 3€ el billete, con el 25% de la recaptación reservada para la misma finalidad y premios de hasta 13 M€. Con ello, Francia se suma a los casos de éxito del Reino Unido y Holanda, de manera que no perdemos la esperanza que los juegos de apuestas para finanzar proyectos culturales acaben cruzando los Pirineos.

Com tactar los invitados.

Juego de joyas para las sienes, en forma de caballos engalanados; oro, 13 cm,  s. IV a.C., Museo Nacional de Georgia.

El país invidao a la feria del libro de Frankfurt de este año es Georgia. Pero como aprovechar la ocasión más allá de los libros? Las autoridades culturales de la ciudad han encontrado una manera elegante: a través de la mitologia clásica. La Liebieghaus, uno de los mejores museos de escultura de Europa, dedicará entre el 5 de octubre y el 10 de cotubre del año que viene, una  gran exposición al mito de Medea, hija del rey de la Colquida, en la acutal Georgia, y el amor que la empujó a ayudar y unirse a Jasón y sus Argonautas. Los préstamos para la exposición provienen de los grandes museos internacionales e incluyen refinadas piezas en oro y bronce del propio Museo Nacional de Georgia.

Blockchain, la parabla mágica?

En The Art Newspaper encontraréis un buen article resumiendo el esto de la cuestión con respecto a la tecnologia blockchain y su aplicación al mercado del arte. Su conclusión es que puede resultar útil para el registro de la procedencia, la autencidad y la propiedad de algunas obras de arte, especialmente las de artistas contemporáneos. Se muestra más escéptico sin embargo acerca de otros posibles desarrollos, como por ejemplo la propiedad fraccionada o las operaciones financiadas con criptomonedas emitidas por la misma entidad que registra la obra de arte en su blockchain. Cierra con una lista de los principales jugadores en este campo.

Siete por siete: de Tolosa a Figueres.

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Tout est bien qui finit bien.

Joan de Joanes (Valencia? c. 1510 – Bocairent, 1579), Sant Blas, c. 1568-1570, óleo sobre madera, 101 x 58 cm.

Vender a un museo es siempre un reto y conseguirlo, una satisfación. Después de unos cuantos meses de negociaciones, procedimientos e informes, finalmente puedo confirmar que el San Blas de Joan de Joanes, que adquirí hace unos cuantos años como una tabla sin atribución pero prometedora, finalmente ha ingresado en el Musée des Augustins de Toulouse. La exclusiva, como de costumbre, la lanza la Tribune de l’Art, la cual subraya que es una de las pocas obras de este maestror del Renacimiento en un museo francés – la base de datos Joconde sólo incluye una Deposición, a dos manos con su padre Vicent Macip en el Musée Goya de Castres y una Procesión al Monte Gargano en el Musée des Beaux Arts de Pau.

Lectura de verano.

Aunque concierto retraso (se publicó en marzo), podéis dedicar alguna tarde de este agosto a al segundo número del Colnaghi Studies Journal, editado y ofrecido online por la galería Colnaghi de Londres. Encontraréis el estudio, que seguro que será citado una y otra vez, de Alberto Velasco sobre el Maestro de San Jorge y la Princesa, una de las figuras claves del último gótico de la Corona de Aragón. Hasta ahora sólo se le había atribuído la conocida tabla en el MNAC que le da su nombre y dos obras más (un fragmento con el Profeta Daniel en el Prado y una pareja de tablas, con San Juan Bautista y San Jaime en el monasterio de San Pedro de Siresa, Huesca). Velasco amplia su catálogo con cuatro obras más, hasta ahora atribuídas a otros artistas o simplemente sin atribución. Por otra parte, en la misma publicación se presenta otra nueva atribución:  un espectacular Cristo cruficado muerto de Alonso Cano, defendida por José Manuel Cruz Valdovinos.

 Milagro recurrente.

Puntual como siempre, la  Fundació Gala – Salvador Dalí ha presentado su Memòria Anual del 2017 que, un año más, confimra su particular milagro económico: no sólo presenta beneficios sinó que estos se elevan a 3.323.991,13 € (inferiores a los 3.741.771,36 € del 2016, si bien existen 378.677,12 € destinado a provisiones y saneamiento).

Está claro que la Fundació goza de un privilegio reservado a pocos museos en el mundo: los visitantes entran a ver básicament su colección permanent y su númor es lo suficientemente elevado (1.444.853) como para ayudar, junto con otras fuentes de ingresos, a que los ingresos pro actividad propia de la Fundación alcancen  15.228.870,25 €. Esta es pues la gallina de los huevos de oro. Pero lo que caracteriza la gestión de la Fundación es como la cuida, con renuncias y disciplina.

El sacrificio más llamativo está en el capítulo de exposiciones: la Fundación renuncia a llevar grandes exposiciones en su sede (con todos los gastos que comportaría). En su lugar, presenta una exposicion anual de pequeño formato y sobretodo, participa en proyectos con otras instituciones de prestigio, aprotando obra y, puntualmente, conocimiento (y a lo mejor recibiendo parte de la recaudación, aunque lo ignoro). Esta política ayuda a contener los gastos.

Por lo que atañe a la disciplina, se nota especialmente en el capítulo de inversiones. El aspecto más conocido es su inversión en la explotación y defensa de los derechos de propiedad intelectual del artista, respecto a los cuales se muestra siempre muy activa. Pero aquí querría destacar otra inversión más reciente: su Catálogo Razonado de la obra de Dalí, ya completado por lo respecta a la pintura. Gracias a una decisión inovadora en su momento, se trata de un proyecto totalmente online, abierto a los cambios y que, con un coste comparativamente mucho menor que el libro físico, sitúa a la Fundación como la autoridad de referencia para la autentificación de la obra del artista. De hecho, su servicio de autentificación funciona desde hace algunos años y es particularmente exigente:  en 2017, de las 117 pinturas prouestas (la Fundació no certifica ni escultura ni obra gráfica), sólo 34 se llegaron a presentar físicamente a la Fundación para su examen, y de éstas 15 finalmente se reconocieron como auténticas (13 se rechazaron, respecto a 3 se consideró que no había sufientes elementos para dar una opinión y 3 quedaron pendientes de estudio.

También las adquisiciones merecen una mención especial: cada año la Fundació genera titulares con sus compras, pero la verdad es que nunca ha comprado la obra más costosa en oferta y que los recursos que destina a ello provienen de un fondo de reservas voluntarias que se alimenta de los resultado positivos de cada ejercios, y que siempre se mantiene muy por encima de la cantidad empleada. En 2017 por ejemplo, la Fundació adquirió obras y documentación por valor de 2.859.601,50 €, pero el fondo creció hasta 74.357.349,91 €.

Oslo?

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Así, con un interrogante, es la respuesta más normal cuando explicas que vas a pasar unos días de turismo sólo en la capital noruega, sin el clásico crucero o la excursión en tren o coche por el resto del país. Y sin embargo, la respuesta después de haberlo probado es sí, Oslo, si lo que se quiere ver esuna ciudad en transformación – una debilidad personal, desde que en mi primer viaje al extranjero, aún niño, me llevaron una semana a Berlín y al cabo de cinco años,  el Muro que tanto me había impresionado caía.

Siempre que se viaja existe la tendencia en buscar  paralelismos con la propia experiencia y para un barcelonés, establecerlos con Oslo es muy fácil. Como en nuestra ciudad antes de los Juegos Olímpicos, la puerta de entrada tradicional era el puerto todavía comercial e industrial y buena parte de los cambios que está viviendo la ciudad nórdica provienen del hecho de que, como nosotros, han desplazado esta zona portuaria a los límites del término municipal (concretamente  Sydhavnen, siempre dentro del fiordo de la ciudad) y, así, han liberado todo un frente marítimo para nuevos usos. Lo que resulta diferente respecto a Barcelona es en primer lugar, el ritmo y las dimensiones del cambio, más reducidas, humanas y equilibradas y en segundo lugar, el protagonismo evidente que los equipamientos culturales tienen en la nueva planificación.

Ayuntamiento de Oslo

Este protagonismo seguramente es heredero del lugar destacado que ocupaban el Museo Nacional de Historia, el Museo Nacional de Arte y el Teatro Nacional (con estos nombres) en la que todavía es la vía central de la ciudad: la avenida arbolada de Karl Johans, abierta a mediados del XIX para conectar el Palacio Real con las grandes instituciones del país (la Universidad, el teatro, los museos, los hoteles, el Parlamento, la Catedral y, al final, la estación central de trenes) y también con el fin de ordenar el ensanche que se abría a ambos lados. Como su línea era paralela a la costa, de hecho le pasaba como a nuestro Passeig de Colón que,  más que abrirse al mar, marcaba la frontera. El edificio que rompió este bloqueo fue el conocido Ayuntamiento, una potente y elegante mola racionalista erigida en 1931, entre el puerto y la avenida Karl Johans, con un eje perpendicular a ellos que le permite abrirse a los dos.

Astrup Fearnley Museum

Ahora se está completando esta conquista del antiguo puerto. En su extremo noroeste, se han conservado tres grúas de la antigua dársena y el resto es todo un sector de nuevos edificios y calles rematados por el edificio del Museo Astrup Fearnley (de arte contemporáneo), una creación del siempre refinado Renzo Piano. Junto al Ayuntamiento, la antigua estación de tren del puerto se ha derruido y en su lugar se está construyendo la nueva sede del Nasjonalmuseet, que reunirá todas las colecciones (pintura, escultura, objetos históricos arquitectura y diseño), sin que me haya quedado claro que pasará con las antiguas sedes. Finalmente, el extremo sureste, ya bajo la estación central, es el lugar donde se está levantando el Código ( “código de barras”), una zona de rasca-cielos de proporcionales bastante razonables y, en primera línea de mar, de la nueva y celebrada sede de la Norske Opera & Ballet – un edificio más amable que grandioso, construido a base de rampas que permiten acceder incluso a su techo y que en cuanto a sus producciones, seguramente será más conocido por la danza que por el canto.

Norske Opera & Ballet

Además de esta zona de desarrollo, existe otra ,alrededor del antiguo tramo industrial del Akerselva  pequeño río que recorre el este del centro de la ciudad y que, tras pasar por debajo de la estación central, desemboca, disimulado por un canal, junto al nuevo edificio de la ópera. El nombre de esta zona, Vulkan, proviene  de la fábrica de maquinaria que se había instalado allí  hacia 1870. La zona cayó en desuso en los años sesenta del siglo veinte y, en parte, fue ocupada por unos estudios de artistas que habitaban en la colonia  de Damstredet que se sitúa justo al lado de la zona Vulkan . Ahora la han convertido en un ejemplo premiadísimo de desarrollo sostenible, conservando buena parte de los antiguos edificios y ofreciendo un parque fluvial, pisos con terrazas, restaurantes, bares, mercados, centros universitarios y estudios de arte y cine que merece la pena ver. La colonia de Damstredet sigue hoy dia habitada también por artistas.

La gracia de todo es que parece que estén consiguiendo hacer todos estos cambios sin perder el encanto y el equilibrio de una ciudad no grande (seiscientos mil habitantes) y reforzando su carácter propio  ya que, sin estos edificios nuevos, Oslo se parecería mucho a cualquier ciudad provincial del Mar del Norte, ordenada y limpia. En la calle, en la ópera, en los museos, los restaurantes (carísimos!) y hasta en los ferrys (taxis de mar) que te llevan a las diferentes islas del fiordo, uno está constantemente rodeado de noruegos y el ambiente es relajado y amable.

Parque Vigeland

Pero el reto será mantener este punto equilibrado, suave y amable. Por defecto profesional, tengo mucha curiosidad por ver el resultado del nuevo museo nacional. La museografía de las sedes actuales es muy clásica y cuenta una historia muy lineal – y en algunos puntos, extrañamente cercana. Muy someramente, una edad media que presenta un gótico con contactos internacionales (Más con las Islas Británicas que con el continente), da paso a un renacimiento y un barroco muy limitados por la falta de una  Corte propia. El movimiento romántico de finales del XIX (tan o más ruralista que nuestra Escuela de Olot!) da paso finalmente a la independencia a principios del siglo XX, y esta llega acompañada de un movimiento de vanguardia que bebe primero de París y después de Alemania, con grandes artistas oficiales grandilocuentes como Gustav Vigeland, 1869-1943, con un parque y un museo diseñados por él; y un genio absoluto estéticamente marginal, Edvard Munch, (1863-1944) que, finalmente, también tuvo museo propio , pero alejado del centro histórico – si bien se está acabando una nueva sede que lo colocará a primera línea de mar, al lado de la nueva Ópera. En cualquier caso, el nuevo Museo Nacional, ¿mantendrá su narrativa ya algo limitada? ¿O los noruegos nos volverán a sorprender, con una solución elegante y sencilla como la que están aplicando al urbanismo de su ciudad? Habrá que volver.

Siete por Siete: Hablan todos.

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1. Dice Ravasi.

 

Il Giornale dell’Arte publica un largo artículo del Cardenal Gianfranco Ravassi, presidente del Consejo Pontificio de la Cultura. Después de hacer un repaso a la teología del arte, Ravasi, siempre preocupado por acercar la Iglesia al mundo del arte y especialmente el contemporáneo, desarrolla el concepto de modelo transfigurativo. Éste se da cuando, a través de sus creaciones, el arte consigue  “hacer visibles resonancias secretas del texto sagrado, reescribirlo en toda su pureza, haiendo germinar el potencial que la exégesis científica sólo consigue con dificultad y en ocasiones ignora por completo “. Y propone algunos ejemplos:

“Toda la historia, la misión, la figura y la grandeza del Bautista están contenidas en ese poderoso dedo índice que apunta hacia el Crucifijo que Matthias Grünewald ha pintado en el Altar de Isenheim del museo de Colmar. Todo el misterio del acto creativo descrito en el libro del Génesis está en el dedo índice “imperativo” del Creador de Miguel Ángel que despierta a la vida el adormecido dedo índice de Adán. Y toda la redención , verdadera “re-creación” de la vida del publicano Levi ,está en la rememoracion que hace Caravaggio de Miguel Ángel con este dedo índice que Cristo dirige al futuro apóstol Mateo, en el famoso lienzo de San Luis de los Franceses en Roma (…) todo ello no son sólo ilustraciones estéticas sino verdaderos lugares teológicos”.

2. Dice Falomir.

La entrevista a Miguel Falomir, Director del Museo del Prado, en El País, no es un ejemplo de optimismo. De entrada se queja de que el Prado está “infradotado” en los Presupuestos del Estado y que la capacidad de autofinanciarse en un altro grado, demostrada por la institución, le está jugando a la contra. Pero va más allá y declara finiquitada la época de las grandes exposiciones. En palabras suyas :

“Estamos asistiendo al final de un modelo de museo. Ahora las exposiciones son peores de lo que eran en los 80 o en los 90. Las temporales están llegando a su fin porque es difícil hacer aportaciones nuevas de investigación y porque los museos son cada vez más reacios a prestar obra. El modelo está en caída libre. Lo importante tiene que ser la colección permanente. Una de las cosas de las que estoy más orgulloso es que hemos reducido la salida de obras de las 900 a las que se había llegado hasta 400. Hay que tener claro que hay cosas que no se pueden prestar de ninguna manera. Sé que si prestara Las hilanderas conseguiría un dineral, pero no pienso hacerlo”.

3. Dice un servidor.

Ser entrevistado por Estudio del Mueble, la revista de la Asociación con el mismo nombre, es todo un gusto, aunque lamento que no haya un enlace a la entrevista  – siempre podeis haceros socios o comprar el número y así ayudarles en su tarea. Me veo obligado por lo tanto a hacer un ejercicio de autocita (que prometo no se va a repetir), pues en efecto, cuando he tenido que hacer una consulta sobre una pintura o un objeto, siempre me he encontrado que “los buenos especialistas son muy generosos a la hora de compartir sus conocimientos”.

Siete por Siete: Loto Patrimonie y noticias de Londres

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Loto Patrimonie.

La idea, que este blog defiende para Cataluña, de destinar parte de los beneficios de las loterías y juegos públicos a financiar poyectos culturales, especialmente vinculados al patrimonio, se va instalando en otros países europeos. El pasado marzo se anunció en Francia un sorteo de lotería para el 24 de setiembre, y un juego de rascar a partir del 3 de setiembre (alrededor de las Jornadas Europeas del Patrimonio) específicos para recabar fondos para la restauración de monumentos y edificios históricos en peligro. Se espera recoger entre 15 y 20 millones de euros, que se destinarán a 250 proyectos recientemente preseleccionados (entre 2.000). En la web de la RTL econtraréis toda la información, incluida una entrevista a Stéphane Bern,  el entusiasta promotor del poryecto.

Sleeper y Colnaghi, sinónimos.

El Telegraph recoge la exclusiva del último posible sleeper cazado por Colnaghi, es decir, Jorge Coll y Nicolás Cortés. Se trata de un óleo sobre tela con San Jaime y Santa Teresa de Ávila presentando el escudo de armas de Castilla y León (145 x 103 cm) – la presencia de la santa se explica proque a principios del XVII se intentó promocionarla como copatrona de Castilla. La obra salió en Sotheby’s el 2 de mayo pasado, por 20.000 libras y como anónimo de la escula de Madrid, pero finalmente alcanzó 193.750 libras. No debieron ser los únicos que, como han declarado en el periódico, creían que se trataba de una obra de Juan Bautista Maíno (1581-1649).

 Otoño en Londres.

Durante el ultimo trimestre del año en curso, hay muy buenas razones para pasar un días en Londres. Por un lado, la National Gallery inaugurará una de las exposiciones estelares de la temporada, Mantegna and Bellini (del 1 de octubre al 27 de enero), seguida de otra también interesante, Lorenzo Lotto. Portraits  (5 de noviembre al 10 de febrero). La feria Frieze, junto con Frieze Masters, abrirá del 4 al 7 de octubre. En la reformada Royal Academy se presentará una retrospectiva del gran Renzo Piano (del 5 de septiembre al 20 de enero) y más adelante, una amplia selección de los dibujos de Klimt y Schiele procedentes de la Albertina de Viena (del 4 de noviembre al 3 de febrero). Finalmente, el British Museum promete una de sus grandes exposiciones: Ashurbanipal. King of Assyria, en principio del 8 de noviembre al 24 de febrero (título y fechas a confirmar).

Siete por Siete: Noticias de Italia.

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Noticias de Italia: (1) Restauraciones.

Maestro de Castelsardo, Virgen María como  Reina de los Ángeles, óleo sobre tabla, tabla central del retablo de St. Pedro de Tuili, c. 1500; tras su restauración.

Con carácter bianual y desde 1989, la Banca Intesa Sanpaolo convoca las ayudas de su programa Restituzioni, un monumental esfuerzo de restauración que ya cuenta con más de un millar de obras intervenidas, muchas de ellas conocidas obras maestras. Cada convocatoria culmina con una gran exposición: este año se celebra en Turín (La fragilità della bellezza. Tiziano, Van Dyck, Twombly e altri 200 capolavori, Reggia di Venaria – Sale delle Arti Venaria Reale, hasta el 16 de septiembre) y presenta hasta 212 obras, con grandes nombres. En este link a dropbox  encontraréis las fichas y abundantes fotografías de todas las obras restauradas; entre ellas; la extraordinaria Transfiguración de Giovanni Bellini del Museo di Capodimonte (Nápoles). Más cercano a nuestro patrimonio, hay igualmente el gran retablo  de la iglesia de San Pedro de Tuili (Cerdeña) del Maestro de Castelsardo, también presente en las nuevas salas de Renacimiento y Barroco del MNAC con las tres tablas que pintó para el retablo mayor de la iglesia parroquial de San Vicente de Sarriá en Barcelona.

Noticias de Italia: (2) Adquisiciones.

Gustave Coubert (Ornans 1819-La Tour de Peilz 1877), La vague, 1871, óleo sobre tela, 63 x 92, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma.
Antonio Carracci (Venecia 1592 ca-1618), Santa Prassede, principios del s. XVII, óleo sobre tela, 128 x 96,5 cm., Pinacoteca Nazionale, Bolonia.

En un post anterior en este blog, defendía la posibilidad de destinar una parte de los beneficios de nuestras loterías públicas a la adquisición de obras. La propuesta era de un 20% y el importe de 2,06M €. Para poder ver las grandes oportunidades que se abrirían, aquí tenéis el link a un artículo en Il Sole 24 Ore que resume una nota online del Ministerio de Cultura italiano, en la que se recoge que entre 2016 y 2017 y para la adquisición de obras de arte, se destinaron  unos 4M€, es decir, infinitamente menos que los que proponemos aquí en términos relativos a población, obras de arte o centros museísticos. Con este fondo, se pudieron adquirir hasta 151 obras (entre ellas, se cuentan 100 objetos etnográficos). En el apartado de  pinturas (unas cuarenta), se incluían  artistas importantes como  Antonio Carracci (Santa Prassede, en la Pinacoteca Nazionale de Bolonia), Pompeo Batoni (Retrato de Abbondio Rezzonico, para la Galería Nacional di Palazzo Barberini), Gustave Courbet (La vague, Galleria Nazionale de Arte Moderno y Contemporanea), Bernardo Strozzi (dos óleos, La parabola dell’invitato a nozze, para la Galleria dell’Accademia di Venezia y Allegoria della pittura en la Galleria di Palazzo Spinola en Genova ) o Carlo Carrà (Allegoria del lavoro en la Pinacoteca di Brera). De hecho, están tan convencidos  que en la ley de presupuestos de 2018 destinarán 4M € más.

Noticias de Italia: (3) Mafia.

El magistrado Raffaele Cantoni, presidente de la ANAC, Autorità Nazionale Anticorruzione de Roma ha declarado:

“Quando ero alla Direzione distrettuale antimafia scoprimmo che alcune tele seicentesche del Manierismo spagnolo, rubate da chiese napoletane, erano state utilizzate come pagamento di partite di droga acquistate proprio in Spagna”.

La entrevista completa en  Il Giornale dell’Arte.

 

Siete por Siete: De Elna a Montpellier.

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¡Viva el alcalde!

El descubrimiento de un 60% de obras falsas en el Musée Terrus de Elna ha dado la vuelta al mundo (¡incluso el New York Times!), pero es en la prensa local donde podemos encontrar la noticia más interesante. L’Indépendant publica las delcaraciones del alcalde, ejemplares. En cuanto recibió el aviso del experto Eric Forcada (véase su entrada en el DHAC, Diccionari d’Historiadores de l’Arte Català-Valencià-Balear), le encargó a él mismo la investigación que ha permitido descubrir el escándalo. Una vez descubierto, lo ha hecho público con total transparencia. Ahora está decidido a ir a fondo en el procedimiento judicial. Y para terminar, declara: “On a investi plus de 300.000 euros dans ce musée pour rénover et attirer les gens sur la ville haute. Et nous continuerons à valoriser et à protéger les artistes de l’art roussillonnais”. Parece que hay trabajo por hacer, según Forcada revela al mismo periódico: “Il y a 15 ans que l’on est dans cette logique de production de faux. Les faussaires s’adaptent et fabriquent l’offre qui répond aux attentes des clients”. ¡A ver si París ayuda!

Tolosa, renaciente.

Gracias sobretodo al paciente trabajo de su director, Axel Hémery, el Musée des Augustins y el patrimonio histórico de su región va ganándose poco a poco el lugar que se merece entre los museos franceses. La exposición que ahora acoge,  Tolouse Renaissance  (hasta el 24 de setiembre y con complemento en la Bibliothèque d’Étude et du Patrimoine hasta el 16 de junio), resulta relevante por diferentes motivos. Primero, porque es pionera i explora un periodo poco conocido, pero con figuras tan interesantes como Antoine de Lohny (incluye su Predicación de San Vicente Ferrer, adquirida por el estado para el Musée de Cluny en 2010). Segundo, porque surge de un grupo de investigación de la universidad de la ciudad, liderado por el profesor Pascal Julien (comisario de la exposición) y con la colaboración de investigadores jóvenes. Tercero, porque coincide con el anunción de la primera expansión del museo en décadas: en concreto, se quiere renovar el espacio de entrada con una sala nueva. Y por último, porque parece que la colaboración con el Musée de Cluny irá más allá: éste último prevé presentar durante el otoño de 2020 Les Arts à Tolouse au XIVème siècle.

Jean Ranc: adquirir, investigar, difondre.

Uno de los museos del Midi más activos es el Musée Fabre de Montpellier. Su política de adquisiciones destaca y el año pasado se distinguió por la compra, en subasta en París, de dos excelentes retratos de Jean Ranc, los del matrimonio Joseph Bonnier de la Mosson y Anne Melon (los dos óleos sobre tela de 146 x 114 cm). Todo apunta a que el museo continuará con su linia de aciertos y dedicará la primera retrospectiva del artista en 2019, según lo anuncia Stéphan Perreau en su blog. El título será Jean Ranc (1674-1735) . Un Montpelliérain à la cour des Rois y se celebrará del 9 de febrero al 12 de mayo de 2019. Por otra parte, el museo presenta estos días Dans le Secret des Oeuvres d’Art (hasta el 2 de setiembre), en la que muestra las interioridades de las obras de arte, sus materiales y los cambios que han sufrido a lo largo de su historia – como la recordada El Museo explora. Obras de arte a examen celebrada en MNAC entre el 23 de noviembre de 2012 y el 24 de febrero de 2013.